2019 影評人心中的10 大最佳電影排行| 換日線

2019 影評人心中的10 大最佳電影排行 ... 希望在此基數中，挖掘出自己的「年度十大佳片」，提供給讀者、影迷參考、交流或是留存，作為2019 年的回顧。

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2019年有幸與355部電影共同走過，雖不算多，當中也有好有壞，但仍舊希望在此基數中，挖掘出自己的「年度十大佳片」，提供給讀者、影迷參考、交流或是留存，作為2019年的回顧。

這份榜單的評選標準為「2019年度台灣院線電影」，不包含影展、串流、數位修復等片，故《婚姻故事》、《愛爾蘭人》和其他佳片不在榜單中（要不然排名會重新洗牌）。

此外，榜單中的某些電影為去年出品，但因片商作業時間拉到今年的台灣院線放映，仍舊選進評選。

要說這份榜單的最大遺憾，應該是《燃燒女子的畫像》（PortraitofaLadyonFire）了。

最後，謝謝今年有這些好電影，在紛擾的時代下，仍讓人有機會在漆黑場域，於光影中找到力量。

【十大佳片排名，以下將依序介紹】1.《從前，有個好萊塢》（OnceUponaTimeInHollywood）《寄生上流》（Parasite）《幸福的拉札洛》（HappyasLazzaro）《安妮華達最後一堂課》（VardabyAgnes）《小丑》（Joker）《沒有煙硝的愛情》（ColdWar）《痛苦與榮耀》（PainandGlory）《你的臉》（YourFace）《我們的青春，在台灣》（OurYouthinTaiwan）10.《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers:Endgame）一、《從前，有個好萊塢》（OnceUponaTimeInHollywood），台灣上映日期：2019年7月24日《從前，有個好萊塢》充滿昆汀塔倫提諾的作者印記，熟稔昆汀的影迷能在此作中發現許多昆汀的風格元素，並找到極大樂趣──武術、戀足癖、義大利西部片、美國老式B級片、非線性敘事手法、《惡棍特工》中火焰槍的惡趣味（將曼森視作納粹）等等。

片名《OnceUponaTimeInHollywood》更揭示了全片在寫實中充滿想像空間（與時間）的童話故事性（呼應充滿逆轉性的結尾），令人感受到昆汀對於曼森家族血案的浪漫憧憬，並帶著觀眾想像世界的未來能有一點不一樣。

昆汀極盡可能地還原這時代的好萊塢，除了街景、服裝、流行音樂、片場倒閉外，從開場便能看見昆汀對於「膠卷底片」的著迷，可以發現「柯達35mm」的影像質地，也能見到以「Super8」和「16mm」拍攝的黑白影像，還有將李奧納多迪卡皮歐飾演的瑞克道爾頓塞進當時的各式知名影集。

當然，特地重製CBS的知名西部電視劇《Lancer》（1968-1970），透過這幾場戲傳遞出復古與現代的衝突與和諧，更讓昆汀的角色能活在這些影像中，別具意義。

 角色的描繪上，昆汀創造出立體鮮明的雙人組合，李奧納多和布萊德彼特這對搭擋，有著與《虎豹小霸王》（1969）的保羅紐曼和勞勃瑞福相似的魅力與默契（片中也提及了日舞）。

此外，片中瑞克道爾頓演藝生涯發展軌跡，似乎也與克林伊斯威特一樣（1950年代演出電視劇，1960年代演出義大利導演沙吉奧李昂執導的「鑣客三部曲」在大銀幕走紅），照著這個軌跡走，可以稍微洞見昆汀筆下的瑞克未來會有何種發展。

 昆汀同時巧妙地利用李奧納多迪卡皮歐、布萊德彼特和瑪格羅比的居住地製造出社會階層的上下關係，同時點出好萊塢產業鍊的上與下，甚至設計了布萊德彼特開車回下層的橋段，也靠著這場戲帶出鍾愛的洛杉磯往日風情。

《從前，有個好萊塢》中的地域性對比有著和《寄生上流》異曲同工的出色之處，這三個角色更有著昆汀對好萊塢「未來」、「現在」、「過去」的投射意涵。

 全片最令人感動的戲，私以為是由瑪格羅比飾演的沙朗泰在戲院與《勇破迷魂陣》（1968）合照，眾所皆知，這是莎朗泰被曼森家族謀殺前上映的最後一部電影（遺作《12+1》於死後上映）。

昆汀大費周章地將莎朗泰進戲院觀影的戲完整拍出，讓片尾的結局格外動人，處處流露出不捨之情。

 在舊好萊塢的致敬中找到新意，貼近老靈魂賦予想像力，《從前，有個好萊塢》是一幅以懷舊為水墨潑灑而成的新畫作，昆汀大膽、奔放且柔情地獻給每位觀眾。

如果說，艾方索柯朗敦厚、內斂地在1970年有《羅馬》和墨西哥城，那昆汀塔倫提諾則是絢爛、外顯地在1969年有《從前，有個好萊塢》和洛杉磯。

 最後，在昆汀精雕細鑿的世界中，或許，瑞克道爾頓能與莎朗泰成為好友；或許，瑞克就能如願演出羅曼波蘭斯基的電影重振演藝事業（開頭即描述瑞克渴望與波蘭斯基合作）；或許，歷史就能重新書寫。

然而，這一切的想像，都活在昆汀塔倫提諾的電影夢中，永存在昆汀這封親筆寫給好萊塢的老派情書。

（作者完整影評，請參考〈昆汀塔倫提諾《從前，有個好萊塢》：用童年往事，寫一封給好萊塢的老派情書〉）二、《寄生上流》（Parasite），台灣上映日期：2019年6月28日圖／IMDb《寄生上流》延續著奉俊昊一貫的「階級」命題，但奉俊昊揮別了跨國大製作，回到韓國本土後的創作視角更加犀利通徹，此作彷彿披著《小偷家族》的表皮，內藏《我們》的血骨，以喜劇方式大膽切入社會議題，底層社會的悲哀無奈全都建立在大量的黑色幽默之下，沒有過多《小偷家族》的溫情，卻同樣以「欺騙」（無論階級）解構出人、家庭、社會與國族中「生存」的無力之感。

 《我們》導演喬登皮爾透過地上、地下代表兩個世界的差異；奉俊昊則直接透過上下階層的互動，對韓國當代社會、甚至世界各地的貧富差距提出強烈的批判──高明的劇本以及台詞，讓觀眾入戲的當下，卻又能從喜劇中體悟到悲劇。

後半段意想不到的劇情轉折，更把血淋淋的事實攤開，也把角色的美好幻想打碎。

 導演在片中也透過不同的象徵符號凸顯階級的上與下，諸如山頂與水溝、半地下室氣窗以及落地窗的對比、豪宅中又藏的的地下室；此外，還有狗、蟑螂等生物跟人類求生本能的隱喻、印地安人階級與被掠奪的投射、韓國寄生於美帝主義等等，其中也透過或明或暗以及極具空間感的攝影掌握，呈現出富人與貧人的心理狀態。

 有趣的是，導演在電影裡將嗅覺立體化，即便寄生於上流，卻擺脫不了無形的「窮味」，這如同階級般無法消除的窮味也成為電影裡的關鍵點。

最精彩的一場戲，當然是那場「暴雨」，在精準的交叉剪輯中放大人性，更把階級無力之感的意象沖刷出來，如排山倒海般反覆衝擊人心。

 《寄生上流》入俗，卻深富底蘊，以精心設計的劇情、環環相扣的連鎖反應、流暢的運鏡、精準的構圖和畫龍點睛的配樂，搭配演員極具張力的表演，對韓國社會完成了一則笑中帶淚的警世寓言。

奉俊昊以極具特色的作者印記，創造出自身的電影語言。

 侯孝賢曾說：「我覺得總有一天電影應該拍成這個樣子：平易，非常簡單，所有的人都能看。

但是看得深的人可以看得很深，非常深邃。

」《寄生上流》就是這樣的電影。

（在《換日線》看更多《寄生上流》：〈階級，真能被翻轉嗎？《寄生上流》讓觀眾上一秒發笑，下一秒就發現自己身在其中〉；〈今天不談劇情，聊聊我在韓國親身體驗的「寄生上流」〉）三、《幸福的拉札洛》（HappyasLazzaro），台灣上映日期：2019年4月26日圖／IMDb電影描述農場男孩拉札洛，原本過著純樸生活，但在遇見金髮的「菸草少爺」後，生命從此改變。

表面抹上一層愛、善良與純真，但骨子裡包藏了導演艾莉絲羅爾瓦雀對義大利的哀愁。

以聖潔的小寓言望向人類社會結構變遷上的巨大悲劇，其實更打破了文化隔閡的藩籬，跨越國族，這樣的故事或許存在於每個國家與階級中，且導演筆下的拉札洛實在令人討喜，拉扎洛或許象徵著使徒、英雄或是神祇，所以在結尾的死亡，才有了典型悲劇性的戲劇張力，流露出一股淡然的惆悵。

這份惆悵並不令人討厭，卻教人鼻酸，甚至在觀者心中昇華成久久飄散不去的餘味。

 小津安二郎曾說：「電影和人生，皆以餘味定輸贏。

」在大銀幕上和拉札洛乘著時光機走過一遭，再回望自己的人生，或許我們都曾經善良的活過，卻因時間、空間、社會的轉變漸漸忽略內心與拉札洛相同的那份特質：是聖潔的使徒、是偉大的英雄、是不朽的神祇，或者更精確地說那是「好人的氣味」，而艾莉絲羅爾瓦雀則將這樣的氣味，以及那些逝去的美麗與當代的哀愁，永存進影像中。

四、《安妮華達最後一堂課》（VardabyAgnes），台灣上映日期：2019/07/12《安妮華達最後一堂課》作為這位傳奇女導的最後一部作品（紀錄片），在今年初柏林影展映演，影片從「靈感」、「創造」、「分享」三個面向出發，起於劇情片《五點到七點的克萊歐》，止於紀錄片《最酷的旅伴》，在短短115分鐘的片長，扣緊了安妮華達各階段性的重要創作。

 熟稔華達的影迷應該都不難發現，劇情片和紀錄片的形式分野，對於華達來說是較為模糊的。

華達的創作中，能在劇情片中看見紀錄片的寫實，隨時故事的推移與人物的行徑，皆能看見「偶遇」的臨場感，至於紀錄片中則有著劇情片調動的方式，攝影者與被攝者的關係也偶爾會有安排後的痕跡，所以縱使《最後一堂課》是一部紀錄片，但仍有類似劇情片中極佳的敘事與張力，華達一如往常地透過超乎常理的巧妙剪輯，把觀眾帶進她千變萬化，極富創造力的世界中。

 華達不斷從過往的舊作分享其人生觀，對於喜愛華達的影迷來說，應該是一部集大全的嘉年華，《幸福》、《無法無家》、《功夫大師》、《千面珍寶金》等經典之作一部接一部地出現。

此外，華達與德米的婚姻生活、互為因果的創作型態也沒被此片遺漏；然而，華達不只是電影工作者，更是行為藝術家，從「拾荒者」為概念核心，進而以馬鈴薯的概念延伸創作出藝術品，透過藝術品讓普世感受出生命，都是華達的可貴之處。

撇開這些身份，華達更是社運家，長期關心社會議題，支持女性平權，這些種種，皆由安妮華達本人親自鉅細彌遺地解說，將她生平的脈絡軌跡與人生哲思深刻地傳遞給每位觀眾。

 綜觀全片，即使華達親自配音的旁白不絕於耳，但不流於說教。

這位高齡女導演腦袋依然活潑，思路依然清晰，依然懂得用影像說故事，揮灑出奔放自由的文人筆觸，從不被拘泥於形式，正如同《千面珍寶金》中的實驗性質那般精彩。

《最後一堂課》就像那些以前我們看見的作品一樣，謙虛的行為處世，飽滿豐沛的情感，活潑靈動的性格，造就了她的一生，造就了她的影像。

 中文片名定為《最後一堂課》，其實已經點出本片的核心價值，華達提起最後的導演筒，用一生做教材，試圖以深愛的電影媒材詮釋出她認為可貴的生命之重，全片也正如同華達最愛的沙灘那般，在沙灘上的風景，有天、有海、有地，最終拼貼成一幅送給世人最溫暖的美麗風景。

筆者想不到有任何謝幕方式，比《最後一堂課》更好，謝謝電影，謝謝安妮華達。

（作者完整影評，請參考〈「沒關係，一切都會好的。

」法國傳奇女導演，以遺作記錄最溫暖的人生風景〉）五、《小丑》（Joker），台灣上映日期：2019年10月3日這是一部純粹的暴力之作，在導演陶德菲利普斯的小丑世界中，任何時刻都離不開亞瑟佛萊克，氣定神閒地聚焦在精神病患者如何走向崩毀，並將其血淋淋地攤在銀幕中。

 導演帶著濃厚的挑釁意味挑戰觀眾，這需要勇氣，正如同史丹利庫柏力克《發條橘子》的主人翁亞歷克斯，在煽動的暴力與不可收拾的混亂中仍舊欣喜若狂，那是惡的純粹，在體制下的脫序演出，但何謂脫序？端看從站在哪種視角出發，亞歷克斯最終成為政府的實驗對象，在服從與擺脫暴力思想下掙扎，換言之，亞歷克斯可以視作亞瑟，只不過亞瑟在精神療程後（並非實驗），最終奔向自身的自我意志，幻化成惡的使徒，帶著笑容展現他本該的模樣──小丑。

 此作將時空背景設置於虛構的高譚市，然而，在分裂腐敗的高譚市中，更能與美國社會相呼應，從30年代經濟大蕭條走到21世紀初雷曼兄弟金融海嘯，自由經濟與資本主義的瓦解將眾人推向更無秩序的分裂。

躁動的人心、底層的反動、階級的對立、政府的無能，在這樣的敘事背景中，處於社會邊緣的亞瑟，在爛泥般的生活中掙扎、對僅存的良善希望逐步瓦解，從城市的異化代入個人心理的轉變，《小丑》極佳地以緩慢的節奏緊抓故事核心，更將高譚市所謂的「虛構」指涉為「真實」，編導透過小丑的惡衝破文化藩籬，開槍鳴笛，打醒普世眾人。

 「階級」的意象也透過「階梯」的形體象徵，故事前段，亞瑟以緩慢且沈重的步伐走上階梯，象徵弱勢群體急欲往上的無力以及絕望，踩出的每一步皆是對社會的強烈控訴，到了結尾，階梯則成為小丑誕生的第一見證者。

在清晨微光中，亞瑟悲壯地舞出人性之惡，給予靈魂排山倒海般的反覆衝擊，在過往的情緒堆疊下，亞瑟已然拋下所有信仰「去階級化」，正式成為小丑。

階級（階梯）的改變，僅「有機會」靠著暴力、殺戮、幻滅與革命推翻，《小丑》的敘事論點至此早已令觀眾不寒而慄，此點正巧也與奉俊昊的《寄生上流》不謀而合，金獅與金棕櫚遙相呼應。

 另一方面，階級的對立也在示威抗議中體現，當窮人們在拋頭顱、灑熱血時爭取權益時，富人們坐在高級劇院中觀看查理卓別林的《摩登時代》，別忘記，《摩登時代》以經濟大蕭條的社會底層為命題，諷刺地在喜劇中呈現勞工階級於經濟危機中被大環境吞噬，無奈且無力，與命運拍桌對賭時，小人物的身影終教人鼻酸，導演刻意貼加此筆，加強其戲謔性，也暗示了故事走向。

 然而，馬丁史柯西斯在《計程車司機》中，同樣闡述了階級的差異，《計程車司機》在後越戰時期討論了底層小人物的徬徨與迷惘，也流露出階級的不可違逆性，貫串全片的那句競選標語"Wearethepeople."過了43年，在陶德菲利普斯的《小丑》中則有了重新解讀的可能，或許"Wearetheclowns."才是人性的最佳註腳，亞瑟與崔佛斯（《計程車司機》主角名），便是同一種人了。

 全片最棒的一場戲當然是小丑最終的脫口秀，這次不講笑話，鏗鏘有力地發表戳破世人偽善的正經演說，控訴社會的無情殘忍。

本該是喜劇的脫口秀化為悲劇的人間煉獄，但小丑過往的悲劇人生，至使昇華成喜劇舞台，「正反悲喜」首尾呼應，透過全片來辯證，喧囂中的孤寂造就了小丑的經典時刻。

馬丁史柯西斯的《喜劇之王》有了後繼之作（勞勃狄尼洛以死交棒），蝙蝠俠與小丑則有了命運交錯的羈絆（布魯斯喪父之刻小丑成王）。

六、《沒有煙硝的愛情》（ColdWar），台灣上映日期：2019年2月14日圖／IMDb波蘭導演帕威帕利科斯基繼《依達的抉擇》後，再度將故事背景放在二次大戰後，且同樣精彩地以黑白影像映襯出人性，交出不愧於坎城最佳導演的作品。

 此片在黑白影像的質地、音樂的更迭當中，將大時代下的愛情一刀一刀鑿下，故事主人翁糾纏橫跨20年的愛情，當中國族、權力、藝術間的天秤拉扯也都能自然鋪陳且不過於生硬，而每一段過場時的黑幕則留給了影像呼吸的空間。

威帕利科斯基深知如何用影像說故事，其力道能生猛有勁，卻又同時能柔情似水，尤其片尾男女主角起身走出景框之外，留下風吹草動的無畏，將全片的餘味保留下來，綿延不絕地縈繞心頭。

 冷戰的題材容易生硬且落入俗套，但帕威帕利科斯基能掌握住自己的風格，以小人物的情愛唱出時代悲歌，此片是導演獻給父母、波蘭的匠心鉅作。

七、《痛苦與榮耀》（PainandGlory），台灣上映日期：2019年8月2日《痛苦與榮耀》為阿莫多瓦導演生涯第21部作品，同時為「導演三部曲」的最終章，從《慾望法則》（LawofDesire）、《壞教慾》（BadEducation）到今年的《痛苦與榮耀》共橫跨32年的時間完成，多數媒體稱之為集大成之作。

故事描述描述年事已高的電影導演馬洛回憶起60年家鄉西班牙小鎮的故事，是阿莫多瓦的半自傳作品。

 此作在今年坎城影展，於嚴格的場刊分數中拿到3.3的高分，僅次於奉俊昊拿下金棕櫚的《寄生上流》，且順利將第8度合作的「拉丁情人」安東尼奧班德拉斯捧上今年的影帝寶座。

 綜觀全片，阿莫多瓦細水長流地不斷回顧自己生涯的點滴，誠懇地翻攪出私密記憶攤在銀幕前，讓自己、讓觀眾去品嚐阿莫多瓦的人生哲思，全片最棒的一場戲出現在收尾，一盞明燈點醒了阿莫多瓦與觀影的影迷，電影是美好與救贖的意旨油然而生。

 如果說昆汀塔倫提諾藉由《從前，有個好萊塢》，與童年往事共存，用電影讓美好的想像延續；那阿莫多瓦則是藉由《痛苦與榮耀》，與過去的自己和解，用電影找到除病的良藥。

八、《你的臉》（YourFace），台灣上映日期：2019年5月17日圖／IMDb《你的臉》花了兩個月拍攝13張臉，最後剪輯成76分鐘的長片。

此作品無法分類，它不是紀錄片也非劇情片，它就是一部「電影」，這部電影運用特寫鏡頭聚焦於臉部，透過大銀幕凝視著每張人臉，沒有任何表演，只是述說過往。

在一張張臉與一段段陳舊往事中，閃現了人類的複雜情感，當你靜下心，這張臉已然是全世界。

 這種體驗已然是屬於蔡明亮與電影院的行為藝術，透過鏡頭與場域，任何事情都變得不同，任何記憶都將在這張臉中浮現，真實、虛幻、時間，在巨大的黑盒子中不斷交錯、解構與再造，最終浮現的，是生命之美，謝謝蔡明亮，每張臉都好美好美。

九、《我們的青春，在台灣》（OurYouthinTaiwan），台灣上映日期：2019年4月12日《我們的青春，在台灣》表面上瞄準了太陽花學運，但這部片不只講政治，更多時候，更大的重點是在講成長中的那些懷疑、酸甜與苦辣；是傅榆導演紀錄著自己、陳為廷與蔡博藝的青春，寫下帶著些許矛盾、些許莽撞、些許動人的生命篇章。

 觀眾跟著傅榆的視角，從《我們的青春，在台灣》中看著那些大大小小的社運活動，諸如士林王家、反對大埔強拆、反旺中壟斷甚至是太陽花，多數紀錄社會運動的紀錄片多半聚焦在運動本身，但傅榆卻捕捉到另一層可貴的種種片段──傅榆從時代的巨輪中望向自身的微觀之處，談明星神話的破滅；談彼此脆弱的時刻；談人性勇敢的光輝，全片私密且誠懇，帶勁卻溫柔，令人印象深刻。

 去年傅榆在金馬舞台上的那席話，再到今年上映所激出的漣漪，已然讓此片成為台灣近年不可或缺的電影之一。

十、《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers:Endgame），台灣上映日期：2019/04/24《復仇者聯盟：終局之戰》裡，導演以時空旅行作為逆轉一切的關鍵，讓英雄在拯救未來的同時，卻也修補他們各自過往的遺憾：索爾與母親的感人對話、東尼對父親的釋懷、隊長與心愛女孩的再次相遇，每個英雄都藉由彈指事件，得以拼湊自我。

而那些經典台詞、熟悉場景的重現，帶我們細數過去11年來英雄的點點滴滴，名副其實的最終之作。

 前半段導演細膩鋪陳英雄們的傷痛和絕望，聚焦角色歷經失敗後的各種模樣，有人找到家庭慰藉，有人仍為世界奮戰，也有人剩下仇恨殺戮，甚至是選擇自我放逐。

不過當面對到逆轉局面的「第二次機會」，他們仍然勇敢上場，不計一切為宇宙奮戰。

 羅素兄弟的群戲調度功力不用說，但此次劇情更顯沈穩，每個角色都有著自己的主場時刻，也在電影裡找到自己的最佳歸宿。

「始於鋼鐵人，終於鋼鐵人。

」最後一場鋼鐵人葬禮，集結所有重要角色，除了感受到鋼鐵人對MCU的不可取代，這場景同樣具承先啟後的意義，開山始祖即便退位，下一階段仍後繼有人。

此片是「遊樂園」系列作的影史標竿，無論是幕前幕後所激起的討論火花，或是影迷與產業間發展出的獨有文化，各方面來看皆是2019不可忽視的作品，且往後幾十年仍舊會不斷搬上檯面討論。

執行編輯：邱佑寧核稿編輯：林欣蘋【延伸閱讀】●「生活是電影最好的素材」：《婚姻故事》道出你我都有的艱難和掙扎●準備好用電影跨年了嗎？10部好片接力，為2019畫下完美句點※本文由換日線授權報導，未經同意禁止轉載加入換日線LINE好友，每日接收全球議題包 查看原始文章 娛樂